Le monde de l’animation est un terrain de jeu d’imagination. Parce que si votre esprit peut le concevoir, vous pouvez lui donner vie grâce à l’animation.
Pour créer des super héros volants en live, il faut beaucoup de tromperie avec la caméra. Mais pour les animateurs, c’est simplement le coup de stylo. D’accord, aujourd’hui, il s’agit plus probablement d’un stylet sur une tablette informatique et de la manipulation de ces dessins via divers logiciels. Et ce n’est pas forcément aussi simple qu’il y paraît.
Mais vous obtenez le point.
Voici donc cinq conseils pour ceux qui entrent dans le domaine passionnant de l’animation.
COMMENCEZ PAR UN MOUVEMENT D’ANIMATION SIMPLE
Encore. Cela peut sembler facile… créer des personnages animés qui défient les lois de la gravité et de la physique. Et il y a beaucoup de technologie pour aider dans le processus. Mais votre talent artistique est toujours le moteur de tout. Et comme toute autre chose, vous devez d’abord développer ces compétences de base et les perfectionner.
Cela semble archaïque, mais l’animation commence par le dessin avec du papier et un crayon. C’est la base sur laquelle vous construisez. Votre objectif est de créer un mouvement naturel. Commencez donc par quelque chose de simple comme animer une balle qui rebondit. La création de ce mouvement implique une technique appelée squash et étirement.
C’est ainsi que vous créez l’illusion de poids, de volume et de gravité lorsque votre balle se déplace. Dans cet exercice simple, vous obtiendrez les éléments de base contenus dans les mouvements plus complexes des personnages de poids corporel qui marchent… ou volent.
RÉFÉRENCE ET OBSERVATION EN ANIMATION
Créer un mouvement naturel comprend souvent les petites choses. De légers mouvements auxquels vous ne faites normalement pas attention. Comme le creux d’un doigt, le sourire narquois dans un sourire ou un sourcil levé.
Alors commencez à faire attention en tant qu’observateur averti. Parcourez Internet à la recherche de vidéos et de photos à utiliser comme points de référence. Utilisez des modèles en bois ou même capturez-vous en vidéo et animez-les.
Mais vous êtes votre meilleur outil. Regardez comment les gens bougent dans la vraie vie lorsqu’ils interagissent avec d’autres personnes ou avec l’environnement. Expressions faciales qui communiquent des émotions, des actions qui démontrent un but et une intention.
Au fur et à mesure que vous imprimez ces images dans votre esprit, elles deviennent une bibliothèque mentale pour créer une réalité naturelle qui engage tellement votre public qu’il oublie que votre animation n’est pas réelle après tout.
IMAGES CLÉS FORTES DANS L’ANIMATION
Lorsque vous réduisez le tout, l’animation est une pose après l’autre. Chaque dessin d’une image individuelle dans une bande de film que vous combinez pour créer du mouvement et de la narration.
Vos images clés représentent le premier et le dernier mouvement d’une séquence d’action particulière. En tant qu’animateur, vous déterminez la première pose qui commence le mouvement et la dernière pose qui le termine.
Ainsi, par exemple, si votre personnage saute d’un toit au sol, vous commencerez par illustrer la pose initiale du saut vers l’image finale de la façon dont le personnage atterrit. At-il atterri en toute sécurité sur ses pieds ou s’écrase-t-il sur le trottoir?
Ces deux visuels forment les serre-livres qui vous aident à déterminer ce qui se passe visuellement entre les deux. Vous voulez donc qu’ils soient audacieux et visuellement mémorables.
LIGNE D’ACTION FORTE ET EXAGÉRATION DANS L’ANIMATION
L’exagération est ce qui rend l’animation amusante, excitante et ajoute de l’émotion et du drame. Parce que les personnages animés ne sont pas limités par les lois de l’univers. Vous pouvez tout casser et votre public l’achètera totalement tant que ces mouvements et actions auront un sens du réalisme naturel.
Ainsi, lorsque Superman saute d’un grand bâtiment et atterrit sur le sol, la terre se divise sous la force de son impact, ce qui démontre sa puissance et sa force. Et quand Wylie Coyote tombe d’une falaise parce qu’il a manqué d’attraper Road Runner, il ne frappe pas simplement à plat, il crée un trou en forme de Wiley Coyote dans le sol qui traverse la Chine.
Ou peut-être est-ce l’exagération physique du personnage lui-même. Comme l’énorme poitrine en expansion du grand méchant loup alors qu’il soufflait et soufflait pour faire sauter la maison du petit cochon.
C’est cette forte ligne d’action et d’exagération qui transmet l’énergie et les sentiments. Le degré d’exagération que vous utilisez dépendra du style particulier que vous souhaitez obtenir. Moins d’exagération crée une action réaliste et une plus grande exagération crée une action plus caricaturale.
SYNCHRONISATION ET FRÉQUENCES D’IMAGES DANS L’ANIMATION
Il y a un sens du rythme dans l’animation. Un rythme naturel. Vous devez trouver le bon équilibre pour créer ce flux naturel de mouvement que vous souhaitez atteindre. Les écrous et les boulons de ceci sont contenus dans le timing et les fréquences d’images.
Le timing et l’espacement entre les images sont ce qui crée l’illusion du mouvement dans l’animation. Le timing implique le nombre d’images entre les poses. Donc, s’il faut à votre balle 24 images pour passer du point A au point B, c’est votre timing.
L’espacement concerne la manière dont les cadres sont placés. En d’autres termes, comment la balle est positionnée dans ces 24 cadres. Si l’espacement est rapproché, la balle se déplace plus lentement. Plus loin et la balle se déplace plus vite.
La tendance lorsque vous débutez est d’animer trop vite ou trop lentement. Mais ne t’inquiète pas. C’est normal au début. Vous obtiendrez le bon équilibre avec l’expérience.
